Super Super Markt zeigt bis zum 21. Mai 2023 die Künstlerinnen Isabella Ducrot, Laila Tara H, Anousha Payne mit einer Auswahl von Gemälden, Wandskulpturen und Arbeiten auf Papier. Die Ausstellung initiiert eine Geschichte, in die wir eingeladen werden – eine Geschichte von Generationen, Kulturen und Identitäten.
Abb. oben: Isabella Ducrot, Laila Tara H, Anousha Payne, 2023, Installationsansicht im Friends Apartment, mit freundlicher Genehmigung von Super Super Markt
Isabella Ducrot (*1931, Neapel) ist bekannt für ihre hingebungsvolle Verwendung von gewebten Stoffen als Ausgangsmaterial für ihre künstlerische Praxis. Die italienische Künstlerin, die seit sechzig Jahren in Rom lebt und ihre künstlerische Laufbahn erst später begann, hat auf ihren zahlreichen Reisen durch Asien und den Nahen Osten im Laufe ihres Lebens eine umfangreiche Sammlung antiker Textilien und Papiere zusammengetragen. Zahlreiche dieser Materialien stammen aus Indien, China, Tibet und Afghanistan und bilden einen wichtigen Ausgangspunkt für ihre Arbeit.
Die in der Ausstellung gezeigten Werke von Ducrot umfassen drei Serien: Amore, Bella Terra und Eros. Die Serie Bella Terra besteht aus handgeschöpftem Papier und dünner Baumwolle und zeigt eine Landschaft in verschiedenen Stunden und Jahreszeiten. Der zentrale Baum, der zwischen Tag und Nacht in warmen und kühlen Tönen changiert, steht unbeweglich neben einem Wasserlauf, der die Bildfläche durchzieht. Wiederholungen, sei es in der Thematik oder in der Komposition, ziehen sich durch Ducrots verschiedene Werke. In der beruhigenden Atmosphäre der Werke von Bella Terra und der Intimität von Amore und Eros scheinen Raum und Zeit in Ducrots Sujets zu verharren. Wir sehen das verschlungene Liebespaar in zwei Werken von Amore, die mit Porzellantinte auf verschiedenfarbigen Papieren gemalt sind und die runden Formen der Hügel und die organischen Formen der Serie Bella Terra wiedergeben. Seit Ende der 1990er Jahre stellt Ducrot zärtliche und sinnliche Szenen von verschlungenen Liebenden dar. Die bis vor kurzem nur selten öffentlich gezeigten Eros-Serien zeigen ihre gestischen Pinselstriche – sowohl in zarter Kleinarbeit als auch in monumentalem Maßstab ausgeführt – und weisen eine elementare menschliche Form der Zärtlichkeit auf. Viele dieser Werke wurden auf traditionellem chinesischem Papier gemalt, das die Künstlerin gesammelt hat, wobei erotische Zeichnungen der alten orientalischen Welt als Referenz und Inspiration für die Serie dienten.
Das Medium Papier ist von zentraler Bedeutung für die Arbeit von Laila Tara H (*1995, London). Die drei ausgestellten Arbeiten, die sie aus Indien, dem Iran und dem Nahen Osten zusammengetragen hat, spiegeln ein größeres Werk wider, das sich mit dem Thema der Weiblichkeit und der daraus resultierenden Dynamik der Kontrolle – sowohl im häuslichen als auch im politischen Bereich – befasst. Ein großer männlicher Kopf, der in den Werken immer wieder auftaucht, steht für eine unterdrückerische männliche Figur. Alle Köpfe sind im Profil dargestellt, um ein Gefühl der Individualität zu vermeiden, und dienen somit hauptsächlich als Signifikanten.
In ihrer Arbeit Lice verwendet die Künstlerin einen sterilen Kamm aus rostfreiem Stahl, um das Metall darzustellen, das in Operationssälen verwendet wird, um buchstäblich “Männer” aus dem Haar zu bürsten. Die Vorstellung, Haare im Iran zu zeigen, ist auch heute noch ein intensives und heikles Thema. Sie stellt diese kulturell bedeutsamen sieben Köpfe als einen Juckreiz dar, der in das Werk eindringt und sich gleichzeitig ausbreitet.
Sowohl in Bed Bugs als auch in Termites sehen wir marschierende Prozessionen, wenn auch in unterschiedlichen Stadien. Ersteres spielt sich in einem häuslichen Umfeld ab, wo ein Kissenbezug zur Bühne für die Komposition wird. Er steht stellvertretend für die Person, die von ihren Versuchen träumt, sich von sechs marschierenden Frauen zu trennen, die über das Kopfkissen tanzen. In Termites entfaltet sich eine lärmende und entschlossene Prozession über das Werk. Die Frauen sind in Aktion, während die Bleistiftstriche eine Art Vergänglichkeit darstellen: eine, die in Kürze enden wird. Die Männer, die unter ihnen marschieren und sie erzwingen und unterdrücken, repräsentieren die “Termiten” und gleichzeitig, metaphorisch gesehen, die kontrollierte Art und Weise, die für die Praxis der Miniaturmalerei erforderlich ist.
Das Werk von Anousha Payne (*1991, Southampton) erforscht kulturelle Identität durch Allegorien, die Folktales, gelebte Erfahrungen und alte hinduistische Mythologien miteinander verweben. Die beiden hängenden Skulpturen No dreamer (to learn something by being nothing) und No dreamer, In full bloom (Surahonne/Mahdokht) bestehen aus Köpfen aus Tzalam-Holz und Rattan, die mit handbemalten Keramikblumen durchsetzt sind. Sie wurden dieses Jahr in Mexiko fertiggestellt, wo der Künstler während eines Aufenthalts lebte, arbeitete und die Materialien beschaffte.
Paynes Werke hinterfragen Hierarchien – sowohl materielle als auch soziale – und so beschreibt die allegorische Quelle von A Flowering Tree die Geschichte einer Frau, die sich immer wieder in einen Baum verwandelt und dabei immer mehr für andere als für sich selbst leistet. Ihre Großzügigkeit wird schließlich ausgenutzt, und sie bleibt stecken (halb Mensch/halb “Ding”; eine Büste). Die beiden Werke von Payne zielen darauf ab, der Protagonistin ihre Autonomie zurückzugeben. Beide Werke sind in ihrer endgültigen Form dargestellt (wie die Künstlerin sagt) und sind nun Masken; die Protagonistin kann wählen, wann sie die Maske trägt und wann sie sich verwandelt. Der eine Kopf steht in voller Blüte”, während die andere Büste in ihrem letzten” Stadium eine Kaskade abgefallener Blumen zeigt, eine Art Darstellung des Endes einer Jahreszeit und ein Abschied” von der Figur.
Paynes zwei figurative Gemälde A lucid state (brain squeeze) und A mask, a temporary shift betrachten verschiedene Geisteszustände: Was ist Realität und was ist Fiktion? Beide Figuren gehen auf eine Figur zurück, die der Künstler in der Kurzgeschichte The Gravity of Fur beschrieben hat. Indem sie den dissoziativen Geisteszustand und die existenzielle Weltanschauung dieser Figur darstellt, sehen wir, dass die weibliche Figur in A mask, a temporary shift einen Kopf an ihren eigenen hält; dies erinnert an eine Hamlet-ähnliche Pose, die für die Isolierung des Geistes vom Rest des Körpers steht. Im ersten Bild sehen wir, wie die Figur ihren Finger durch die Augenhöhle in ihr Gehirn schiebt, um, wie Payne anmerkt, zu prüfen, ob ihr Gehirn gequetscht wird”. Gefangen in ihrer eigenen Einsamkeit aus der Kurzgeschichte, baut die Figur ihre eigene isolierte Erzählung auf, indem sie ihre eigene Liebesaffäre mit einer imaginären Kreatur entwickelt.
Wir werden aufgefordert, durch die beiden Wohnungen des Ausstellungsraums zu gehen und uns mit dieser Reihe von Werken wie mit einem Filmskript oder einer Szene zu verbinden – eine Landschaft im Wechsel der Jahreszeiten, verstrickte Liebende, Geburt und Tod, Weiblichkeit und die daraus resultierende Dynamik der Kontrolle – und wir werden ermutigt, die Geschichten zu ergänzen, die jeder Künstler offengelegt hat.
WO?
Friends Apartment
Mulackstrasse 26
10119 Berlin-Mitte
WANN?
Veranstaltungszeitraum:
Donnerstag, 27. April – Sonntag, 21. Mai 2023, Nach Vereinbarung
