Die Bourse de Commerce zeigt derzeit die Ausstellung „Corps et âmes“, in der rund einhundert Werke aus der Pinault Collection präsentiert werden. Im Mittelpunkt steht die Auseinandersetzung mit Darstellungen des Körpers in der zeitgenössischen Kunst. Von Auguste Rodin bis Duane Hanson, von Georg Baselitz bis Ana Mendieta, von David Hammons über Marlene Dumas bis hin zu Arthur Jafa und Ali Cherri – rund vierzig Künstlerinnen und Künstler setzen sich mittels Malerei, Skulptur, Fotografie, Video und Zeichnung mit den Verbindungen zwischen Körper und Seele auseinander.
Abb. oben: Gideon Appah, The Woman Bathing, 2021, oil, acrylic on canvas, diptych, 120 × 300 cm (each panel). Pinault Collection. © Gideon Appah. Courtesy of the artist and Venus Over Manhattan.
„In den formgebenden Rundungen der Bourse de Commerce – ein Echo auf das Rondo der Körper, das das große, gemalte Panorama unter der Glaskuppel umgibt – erforscht die Ausstellung ‚Corps et âmes‘ die Bedeutung des Körpers im gegenwärtigen Denken anhand von Werken aus der Pinault Collection. Losgelöst von allen mimetischen Zwängen, erfindet sich der Körper – ob fotografiert, skulptiert, gezeichnet, gefilmt oder gemalt – stets neu. Dadurch erhält die Kunst eine wesentliche organische Qualität, die es ihr erlaubt, wie eine Nabelschnur, den Puls von Körper und Seele zu spüren. Kunst erfasst die Energien und vitalen Ströme unseres Denkens und Innenlebens und schafft so eine sozial engagierte, humanistische Erfahrung des Andersseins. Formen verwandeln sich, kehren zur Figuration zurück oder lösen sich davon, um der Seele und dem Bewusstsein Raum zur Offenbarung zu geben. Es geht nicht mehr nur darum, Körper zu malen, sondern die Kräfte sichtbar zu machen, die durch sie hindurchfließen – um das Verborgene und Unsichtbare ans Licht zu bringen und die Schatten zu öffnen.
Arthur Jafas Werk in der Rotunde, Love is the Message, the Message is Death, verwandelt den Raum in ein Resonanzfeld für Musik und gesellschaftliches Engagement afroamerikanischer Ikonen wie Martin Luther King Jr., Jimi Hendrix, Barack Obama und Beyoncé und verleiht ihnen damit universelle Bedeutung. Seine Filme, die zwischen Leben und Tod, Gewalt und Transzendenz oszillieren, entfalten sich wie eine visuelle Melodie, inspiriert von Gospel, Jazz und Black Music. Sie bilden einen Fluss aus Bildern und Klängen, der den Rhythmus der gesamten Ausstellung bestimmt – eine Choreografie, in der die dargestellten Körper die Verbindung zwischen Kunst und Leben bezeugen. Ein umfangreiches Musikprogramm im Einklang mit der Ausstellung macht ‚Corps et âmes‘ zu einem polyphonen Ereignis.“
— Emma Lavigne, Generalkuratiorin, Generaldirektorin der Pinault Collection
Übersicht über die Ausstellung
VESTIBÜL: Georg Baselitz
„Corps et âmes“ beginnt mit einem Werk von Georg Baselitz, das im Vestibül der Bourse de Commerce installiert ist. Diese mit Ölfarbe bemalte Skulptur aus Zedernholz, die von vorne unschuldig und von hinten bedrohlich wirkt, ist ein kolossales Selbstporträt des Künstlers als Kind, das einen Schädel in den Händen hält. Mit seinen fest auf dem Boden verankerten Füßen dominiert „Meine neue Mütze“ (2003) den Betrachter und ist Baselitz’ erstes skulpturales Selbstporträt.
SALON: Gideon Appah / Ana Mendieta
Als Auftakt zur Ausstellung zeigt der Salon ein Diptychon des ghanaischen Künstlers Gideon Appah, The Confidant and The Woman Bathing (2021). Inspiriert von Werken von Cézanne, Matisse und Gauguin, auf der Suche nach paradiesischen Landschaften, in denen die Figuren von Badenden und Odalisken, die sich in einer idyllischen Landschaft zusammenrollen, an ein durch die Moderne bedrohtes goldenes Zeitalter erinnern, stellt Gideon Appahs Werk die Perspektiven auf den Kopf und zeigt eine Welt, die sowohl traumhaft als auch real ist und sich von den Gemälden und Fotografien des postkolonialen Ghana inspirieren lässt. Das unwirkliche Blau der Körper erinnert an ein urzeitliches, mythisches Universum, und die Ikonografie rund um die Unabhängigkeit Ghanas im Jahr 1957 und das Versprechen eines wiederentdeckten Landes stehen in Resonanz mit dem roten Blut von Ana Mendietas Körper in Silueta Sangrienta (1975). Der Körper in Metamorphose und als etwas Archaisches strebt hier danach, sich wieder mit Gründungsmythen zu verbinden, eins zu werden mit Mutter Erde, nach der Entwurzelung der Künstlerin durch ihr Exil von Kuba in die Vereinigten Staaten im Jahr 1961. Der Körper der Künstlerin verschmilzt mit dem Material, bevor er in Form einer Silhouette aus roter Lava wieder erscheint: ein immaterieller Körper, von dem nur noch das Leuchten seiner glühenden Aura übrig bleibt.
DER KÖRPER ALS ZEUGE
„Inspiriert vom Kampf um Bewusstsein und den Widerstandsbewegungen der 1960er Jahre, die mit den Bürgerrechts-, Frauen- und Friedensbewegungen verbunden waren, nutzen Künstler den Körper als Seismograph und privilegierten Zeugen einer Form sozial engagierter Kunst, die der Wut unserer heutigen Welt und den anhaltenden Bedrohungen der individuellen Integrität Ausdruck verleiht. Fotografie, Zeichnung, Skulptur und Malerei nutzen den Körper, um ihre tiefe Andersartigkeit zu bezeugen und das Unsichtbare oder Verborgene sichtbar zu machen. Die Werke tragen Spuren der Narben der Geschichte und nehmen den Puls und den Abdruck von Menschen auf, die unsichtbar gemacht wurden. Oft entblößen sie den Körper, um mehr von der Seele zu offenbaren. Sie bringen die Schönheit, Menschlichkeit und Energie realer und fiktiver Wesen zum Vorschein, die ihre Rechte und ihren Platz in der Geschichte zurückerobern.“ Emma Lavigne
GALERIE 4: Philip Guston / Duane Hanson
„Geprägt von der Gewalt und dem Rassismus der Ermordung von John F. Kennedy und Martin Luther King, den Rassenunruhen, die von Chicago bis Los Angeles ausbrachen, und den Lynchmorden durch den Ku-Klux-Klan, wandte sich Philip Guston vom Lyrismus der Abstraktion ab, da er zunehmend das Gefühl hatte, dass diese von der Gegenwart losgelöst war. Er fühlte sich nicht mehr zum Malen gezwungen, sondern wollte das Malen verlernen, um der Leere der Realität so nahe wie möglich zu kommen, oder um zu versuchen, das Elend durch den sakrilegischen Einsatz des Grotesken in Cartoon-Zeichnungen darzustellen. ‚Male, was dich anwidert. … Male die Wahrheit“, sagte der Künstler, der sowohl in der Dunkelheit der Welt – wie Goya in seinen schwarzen Gemälden – als auch in rosafarbenen Inkarnationen des Fleisches nach etwas suchte, das hervortreten könnte, einem Objekt oder einem Eindruck, dessen organische Natur unsere Menschlichkeit anspricht. Die Formen entstehen aus dem Limbus einer nächtlichen Vorstellungskraft oder aus dem Staunen über die Verkörperung, in der Einsamkeit des Ateliers und in der Dissonanz der Welt.
In Anlehnung an diese tiefe Melancholie bieten uns die hyperrealistischen Inszenierungen von Duane Hanson nur jene Fluchtmöglichkeiten, die der Philosoph Emmanuel Lévinas1 als „Begegnung von Angesicht zu Angesicht mit dem Anderen” bezeichnet, in einem huis clos, in dem wir uns der Sterblichkeit und Verletzlichkeit des Anderen sowie unserer eigenen Verantwortung und Mitschuld an seinem Tod bewusst werden. Seine Werke aus den 1960er Jahren, wie War (1967) gegen den Vietnamkrieg oder Riot (1968), zeugen von den Rassenunruhen und fungieren als politische Appelle und Aufruf zur Empathie.
Die von George Segal übernommene Technik des Lifecasting besteht darin, die Skulptur direkt an lebenden Modellen abzuformen. Dies fördert das Bewusstsein für den kollektiven Körper, da der Künstler oft mehrere Modelle verwendete, um eine einzelne Skulptur zu schaffen. Hier zeugen die Konfrontation zwischen einem schwarzen Maler und dem Selbstporträt als desillusionierter Künstler sowohl von der unüberbrückbaren Trennung zwischen diesen beiden Figuren aus unterschiedlichen Welten als auch von ihrer Nähe, da sie durch dasselbe Gefühl der offensichtlichen Ernüchterung verbunden sind.” Emma Lavigne
GALERIE 7.1 / DOPPELTREPPE / EINGANG ZUR GALERIE 2 Mit: Georges Adéagbo / Terry Adkins / Richard Avedon / James Baldwin / Marlene Dumas / Robert Frank / LaToya Ruby Frazier / David Hammons / Anne Imhof / William Kentridge / Sherrie Levine / Kerry James Marshall / Zanele Muholi / Robin Rhode / Auguste Rodin / Lorna Simpson / Kara Walker / Lynette Yiadom-Boakye
Die Verflechtung von Texten und Fotografien zwischen James Baldwin und Richard Avedon, Nothing Personal (1964), fungiert auch als Manifest, das Amerika einen anderen Spiegel vorhält als den, der das eitle Glitzern einer Konsumgesellschaft reflektiert, die sich bemüht, die getrübte Illusion des amerikanischen Traums zu ignorieren. Die schmerzhafte Odyssee, die der Autor von Nobody Knows My Name (1961) und The Fire Next Time (1963) zusammen mit seinem Jugendfreund Avedon, der sich von der Mode abwandte, um seine Kamera auf Menschenrechtsaktivisten zu richten, komponierte, gibt dem Gestalt, was wir nicht sehen wollen: ein Amerika der Entrechteten, der Menschen, die von seinem Traum ausgeschlossen sind.
Das Erbe der visuellen und politischen Kämpfe der Künstler in der Pinault-Sammlung zeigt sich deutlich in den Werken von Kerry James Marshall (Galerie 7.1) und Terry Adkins, die sich am Rande des Sichtbaren, zwischen Erscheinung und Auflösung, bewegen, sowie in dem Werk Cloudscape (2004) von Lorna Simpson, deren unsichtbare Männer und Frauen den großen Einfluss des Romans Invisible Man (1952) von Ralph Ellison offenbaren. David Hammons’ Körperabdrücke kehren ihrerseits zur ursprünglichen Form des Abdrucks zurück, um ein Gefühl der Zugehörigkeit zu einer Gemeinschaft zu wecken und das wiederherzustellen, was dem Körper und der Seele gefehlt hat.
Gleichzeitig greifen die Zeichnungen von Kara Walker, William Kentridge (im doppelten Wendeltreppenhaus), Robin Rhode (am Eingang zur Galerie 2) und Anne Imhof entgegen der akademischen Tradition des gemalten Porträts die Zerbrechlichkeit der Körper auf, die Linien zeichnen unmerkliche Adern auf das Papier, die zwar ausgelöscht werden können, aber den Puls dieser Körper erfassen, die um ihre Existenz kämpfen. Durch ihre tägliche Praxis des Zeichnens entwirft und choreografiert Anne Imhof ihre zukünftigen Performance-Arbeiten, in denen das Fleisch eines lebenden Körpers zum ultimativen visuellen Material wird, durch das sich das Leben manifestiert, als würde sie ihre eigenen Emotionen auf andere Körper übertragen.
Es erinnert an die Art und Weise, wie Géricault (den sie sehr bewundert) Leichen in der Leichenhalle zeichnete, bevor er ihnen in seinen großen Gemälden, insbesondere in „Das Floß der Medusa“ (1818–1819), eine neue Intensität verlieh. Das Kunstwerk ist nicht länger eine theatralische Szene, die von der Realität losgelöst ist, sondern der Raum, in dem wir uns der Fähigkeit der Kunst bewusst werden, uns im Hier und Jetzt menschlich zu machen. Mit einer einzigen Geste verbindet Lynette Yiadom-Boakye, eine in London lebende Künstlerin mit ghanaischen Eltern, Realität und Fiktion, die Geschichte der Malerei und die Unmittelbarkeit der Gegenwart – alles in einem einzigen Malakt. Inspiriert von Manet, Degas und Goya malt sie kraftvolle Porträts schwarzer Figuren, deren Kleidung und Ausstrahlung keinen Hinweis auf ihren sozialen Status oder die Epoche geben, in der sie leben, und verleiht diesen Körpern damit eine Würde, die ihnen lange verwehrt geblieben war, wie in Light of The Lit Wick (2017), das eine majestätische junge Tänzerin zeigt.
DER ENTHÜLLTE KÖRPER
„Inspiriert von Werken wie Edouard Manets revolutionärem Gemälde Olympia (1863), das die akademische Theorie des weiblichen Aktes sprengte und zu einem politischen Manifest wurde, befreien diese Künstler die Darstellung von Körpern aus den Fesseln der Kunstgeschichte. Diese Körper werden in ihrer unendlichen Plastizität verdinglicht, sexualisiert, entblößt und zur Schau gestellt, umso mehr, wenn es sich um die Körper schwarzer Frauen handelt, die unter den Schmerzen der Kolonialgeschichte leiden. Zwischen der Gewalt der Darstellung, dem Sexismus und der Bejahung eines befreiten Körpers vollführen die Werke eine Choreografie, in der Unbeweglichkeit und Passivität einer Aktivierung wiederentdeckter Lebensenergien weichen. Die Darstellung von Körpern wird polyphon und offenbart sowohl die Fragilität als auch die pulsierende Energie eines Körpers, der seine Beziehung zum anderen und zur Welt wieder in Besitz nimmt.“ Emma Lavigne
GALERIE 7.2: Diane & Allan Arbus / Richard Avedon / Claude Cahun / Marlene Dumas / LaToya Ruby Frazier / Anna Halprin & Seth Hill / Kerry James Marshall / Senga Nengudi / Antonio Oba / Irving Penn / Niki de Saint Phalle
1969 weigerte sich die amerikanische Choreografin Anna Halprin, die Gewalt der Rassenunruhen in einer Performance zu inszenieren. In Right On (Ceremony of Us), einem Workshop, der teilweise im selben Jahr gefilmt wurde, erfand sie ein Ritual, bei dem schwarze und weiße Körper, die historisch gesehen getrennt geblieben waren, zum ersten Mal zusammenkommen und gemeinsam tanzen konnten. Ihr humanistisches Denken spiegelt sich in der gesamten Ausstellung Corps et âmes wider.
Diese Galerie zeigt eine der ersten Nanas von Niki de Saint Phalle, die Nana Noire (1965), inspiriert von Rosa Parks, einer Symbolfigur des Kampfes gegen Rassismus in den Vereinigten Staaten. Für diese Künstlerin verbindet sich der Widerstand gegen die Unterdrückung von Frauen, deren Körperformen übermäßig fruchtbar und üppig dargestellt werden, mit dem Kampf der Afroamerikaner, die Opfer rassistischer und sexistischer Gewalt in der amerikanischen Gesellschaft geworden sind. Als Jazzliebhaberin spielte die Künstlerin auch auf die Sängerin Billie Holliday an, die wie sie selbst in sehr jungen Jahren mit sexueller Gewalt konfrontiert war. Diese Darstellung von Körpern findet sich auch in den Werken von Auguste Rodin (Galerie 7.1) mit Iris, Botin der Götter (1891), die die griechische Göttin ohne Kopf und ohne ihre göttlichen Attribute zeigt. Ihr nackter Körper mit weit gespreizten Beinen erinnert an Gustave Courbets „Der Ursprung der Welt“ (1866), da sie sich allen Blicken aussetzt.
Für ihr Gemälde „Candle Burning“ (2000) ließ sich Marlene Dumas, die viel Zeit in Stripclubs verbrachte, von Polaroids inspirieren, die eine berühmte Tänzerin während ihrer Kontorsionisten-Darbietungen bei Kerzenschein zeigen. Marlene Dumas’ Verhältnis zum Körper ist vielstimmig und frei von jeglichen moralischen Vorstellungen, da es so eng mit dem Begehren verbunden ist. Sie hinterfragt das abgedroschene Modell des weiblichen Aktes in der Kunstgeschichte durch die Malerei, das grundlegende Medium der menschlichen Begegnung.
Entsprechend sind die Selbstporträts der südafrikanischen Fotografin Zanele Muholi Teil der militanten Wiederaneignung der Darstellung von Körpern und Identitäten. Die amerikanische Künstlerin Senga Nengudi, die lange Zeit Tanz studiert hat, nutzt Performance, um die Energie ritueller Tänze aus Afrika und Japan zu beschwören. Sie schafft Skulpturen aus Strumpfhosen und Performances wie R.S.V.P. (1976–1978), die aus choreografierten Bewegungen bestehen, mit denen sie die Dehnbarkeit, Elastizität und Zerbrechlichkeit des Körpers untersucht.
GALERIE 7.3: Marlene Dumas / David Hammons / Kudzanai-Violet Hwami / Mira Schor / Wolfgang Tillmans
Die Ausstellung zeigt nach und nach Werke, die über die rohe Materialität des Körpers hinausgehen und eine phantasmagorische Qualität annehmen, wie beispielsweise Marlene Dumas’ Birth (2018), das die Kunstgeschichte und die Figur der Venus neu interpretiert, indem es den Körper einer schwangeren Frau als Göttin der Liebe und Fruchtbarkeit darstellt. Die von der Künstlerin appropriierten Körper sind fleischlich, flüssig oder geisterhaft, als würden sie in der Fluidität der Farbe selbst versinken. Ihre fleischliche Malerei berührt die Seele. Die Darstellung von Körpern weicht der Darstellung des Geistes. Die zeitgenössische Malerei zögert nicht, eine symbolischere und spirituellere Dimension zu erkunden, ohne dabei politische Kommentare zu übersehen, wie in den Werken von Mira Schor. Die vielfältigen, kaleidoskopischen Bilder von Kudzanai-Violet Hwami erforschen die verschiedenen Aspekte der Identität, ebenso wie David Hammons’ Rubber Dread (1989), das auf halbem Weg zwischen einem sozialen Kommentar zu physischen und sozialen Ausgestoßenen und den Geistern liegt, die unsere Gesellschaft weiterhin heimsuchen.
DIE SEELE IM KÖRPER
„Manchmal überschreiten die Werke die Materialität des Körpers und nehmen eine phantasmagorische Qualität an, in der der Körper zu einer Hülle aus Fleisch und Knochen wird, zur Inkarnation der Seele. Solche Werke erinnern an die ursprünglichen Archetypen der Mythologie und Rituale. Manchmal sind sie durchdrungen vom Onirismus und dem Bewusstsein der Auflösung der Existenz verlorener Paradiese in den Werken von Henri Matisse, Paul Gauguin und Edvard Munch. Die Malerei nimmt eine symbolischere und spirituellere Dimension an, ohne dabei politische Kommentare zu vernachlässigen. Glühende Körper verwandeln sich, tanzen kopfüber, verschmelzen mit der Erde und segeln ins Nichts. Wandernde Seelen führen heilige, vergängliche Tänze auf und zeugen davon, wie die Geschichte Dinge entwurzelt und auseinanderreißt. Kunst ist ein Gegenmittel gegen die Zerbrechlichkeit und das Verschwinden des Körpers.“ Emma Lavigne
GALERIE 6: Michael Armitage / Miriam Cahn / Peter Doig / Marlene Dumas / Ana Mendieta
Miriam Cahns Installation RITUALS in Galerie 6 ist eine Meditation über die Fragilität unserer Existenz und die täglichen Rituale, die während der letzten Tage ihres Vaters stattfanden. Die Künstlerin ersetzte die Einzigartigkeit des Werks durch einen fast organischen Rhythmus von Bildern, der an den Zyklus von Edvard Munchs Frieze of Life erinnert. Es ist, als hätte Miriam Cahns eigener Körper diese Werke im Akt des Malens hervorgebracht. „Eine Ausstellung ist ein Werk für sich, und ich betrachte sie als Performance“, erklärt die Künstlerin. Die Verbindungen, die sie zwischen ihren Werken herstellt, sind manchmal so wesentlich und wesensgleich wie hier, dass sie symbolische Räume erfindet, Räume, um die Intimität zu schützen, die sie verbindet und die ein kleines Theater bilden. „Ich interessiere mich für die Interaktionen zwischen dem Bild und dem Betrachter“, erklärt Miriam Cahn. Sie hat oft gesagt, dass sie als junge Künstlerin oft „diesen Ausbruch von Begeisterung, den ich empfand, wenn ich ins Theater ging“, in ihre Arbeit einfließen lassen wollte.
Diese ritualisierten Szenen setzen sich im Dialog zwischen den Werken von Peter Doig und Michael Armitage fort. Musik wird zu einer sowohl irdischen als auch traumhaften Präsenz, zu Balsam für die Seele, sei es das Boot namens „House of Music“ (2023), das ins Nichts segelt, um die sehr realen Musiker im Gemälde „Dandora (Xala, Musicians)“ (2022) zu treffen, in dem eine Gruppe von Männern auf einer offenen Müllhalde im Herzen von Nairobi Xala spielt. Das Werk von Marlene Dumas, Einder (Horizon) (2007–2008), mit seinen frischen Blumen, die auf das Grab ihrer Mutter gemalt sind, ist „ein Porträt von ihr, ohne sie zu malen. Ich habe versucht, etwas Endloses zu malen”, sagte die Künstlerin. Der Titel des Werks suggeriert ein Gefühl der Endlichkeit, einen unerreichbaren Horizont, eine Reise in eine Landschaft des Jenseits, die sich in Ana Mendietas Video Flower Person, Flower Body (1975) fortsetzt, in dem Blumen inmitten der Wellen schwimmen und sich wie ein Trankopfer verteilen.
GALERIE 5: Georg Baselitz / Ana Mendieta
Am Ende der Ausstellung vollendet Georg Baselitz’ monumentales Meisterwerk Avignon (2014) diesen Tanz der Körper. In der Dunkelheit bilden die acht dramatischen und spektakulären Gemälde, die in diesem Raum hängen, einen Huis Clos, ein Theater, in dem der alternde Körper des Künstlers der einzige Darsteller ist. Sie wurden erstmals 2015 auf der Biennale in Venedig ausgestellt, kuratiert von Okwui Enwezor. Inspiriert von Pablo Picassos letzten Gemälden sowie Werken von Lucas Cranach, Egon Schiele und Edvard Munch, scheinen diese Körper, wie der Dichter Antonin Artaud es ausdrückte, „kopfüber zu tanzen“.
Wie das Versprechen einer Wiedergeburt, einer Kontinuität des Lebens nach dem Tod, verwandelt sich Ana Mendietas Puppenkörper in einen Schmetterling, der wie ein Licht in der Dunkelheit erscheint.
GALERIE 3: Deana Lawson Kuratiert von Matthieu Humery, Fotografieberater, Pinault Collection
Im ersten Stock der Bourse de Commerce findet die erste Einzelausstellung von Deana Lawson in Frankreich statt. Die Arbeiten der Fotografin untersuchen eingehend die menschliche Erfahrung und verflechten persönliche, kollektive und imaginäre Geschichten zu einer einzigartigen Form des Erzählens. Deana Lawson bedient sich zwar Aspekten der dokumentarischen Tradition, doch ihre Praxis geht über die beobachtende Fotografie hinaus und verwandelt sie in ein Medium kraftvollen Ausdrucks und kritischer Auseinandersetzung. Ihre Porträts schaffen eine Erzählung, die eine Brücke zwischen der Biografie der Künstlerin, Symbolik und kultureller Beobachtung schlägt und eine tiefgreifende Auseinandersetzung mit zeitgenössischer Identität bietet.
PASSAGE / DER MASCHINENRAUM: Ali Cherri Kuratiert von Jean-Marie Gallais, Kurator, Pinault Collection
„Die Passage der Bourse de Commerce beherbergt die Werke von Ali Cherri, einem in Frankreich lebenden Künstler. Seine Jugend war geprägt vom Bürgerkrieg im Libanon, insbesondere von Plünderungen, Diebstählen und illegalem Handel mit Kunstwerken, die solche kriegerischen Auseinandersetzungen mit sich bringen. Indem er die vierundzwanzig Vitrinen, das perfekte Museumsinstrument zur Ausstellung von Objekten, für sich beansprucht, lässt er sich auch vom Film und seinen vierundzwanzig Bildern pro Sekunde inspirieren. Seine Skulpturen sind als geisterhafte Blitze konzipiert, die einen Grenzraum zwischen Leben und Tod, zwischen Vergangenheit und Gegenwart einnehmen und uns dazu auffordern, über die uralten Manipulationen kultureller Artefakte nachzudenken.“ Emma Lavigne
„Cherri schrieb: ‚Und dann kam das Kino, um den Körper wiederzubeleben. Die Geschichte des Kinos ist eine Geschichte von Toten, die in Bildern weiterleben. Das Kino war schon immer eine Frage von Geistern, sei es aus technischen Gründen (Lichtprojektion, Überblendungen), genealogischen Gründen (Einflüsse von Phantasmagorien und Laterna Magicas) und vor allem aus poetischen Gründen (die Figuren sterben auf der Leinwand und werden mit jeder Vorführung wieder zum Leben erweckt). Indem es Spuren von Körpern aufzeichnet und bewahrt, wird das Kino zu einem Mittel, um die Toten auf der Leinwand wieder zum Leben zu erwecken und die Seelen lebloser Körper wieder zu erwecken.“ In seinem Film Somniculus (2017), der in Paris gedreht wurde, nutzte Ali Cherri diesen gespenstischen Aspekt des Films, indem er die Körper der Schauspieler durch Kunstwerke und Objekte ersetzte, die in leeren Museen gefilmt wurden. Indem er die wiederkehrende Analogie zwischen Museen und Friedhöfen, insbesondere in einem postkolonialen Kontext (Statues Also Die von Alain Resnais, Chris Marker und Ghislain Cloquet, 1953), umkehrt, zieht Ali Cherri es vor, diese Objekte als vorübergehend schlafend zu betrachten – auf Lateinisch bedeutet somniculus „leichter Schlaf“ – und das Museum als Schlafsaal.
Im Rahmen dieses Projekts schlafen und erwachen Skulpturen und Artefakte, die als Miniatur-Tableaux vivants arrangiert sind, in jeder der Vitrinen der Bourse de Commerce. Mit den Gesten eines Bildhauers hat Ali Cherri diese Artefakte hybridisieren lassen, sie von einem Material in ein anderes übertragen, wobei die Fragmente ein neues Ganzes bilden. Er schafft Chimären, indem er archäologische Funde mit seinen eigenen Kreationen kombiniert. „Die Transplantationen, die ich in meiner Skulpturenserie vornehme, stellen eine Form der Solidarität zwischen Körpern dar, die zerbrochen, fragmentiert und verletzt wurden und die durch ihre Verschmelzung eine Gemeinschaft bilden“, erklärt er. Diese Objekte, die wiederbelebt wurden oder eine turbulente Vergangenheit überstanden haben, Abfälle, die als nicht erhaltenswert galten, aber Zeugen unzähliger Austauschvorgänge und Wanderungen sind: Augen, die aus ägyptischen Sarkophagen herausgerissen und gefälscht wurden, als sie in europäischen Sammlungen in Mode kamen, gefälschte Kuriositäten und Kopien antiker Stücke verschmelzen wie ferne Zivilisationen, die zusammenleben und ineinander Wurzeln schlagen. Jean-Marie Gallais.
WANN?
Mittwoch, 05. März bis Monntag, 25. August 2025
Öffnungszeiten:
Mo – So: 11 – 19 Uhr
Freitag: 11 – 21 Uhr
Dienstag geschlossen
WO?
Bourse de Commerce
2 rue de Viarmes
75001 Paris
KOSTET?
Regulär: 15 EUR
Ermäßigt: 10 EUR
